SOLD OUT

SOLD OUT
What offers Ludovic Carème through this series
of architecture images, is several stories
that tell a different one, more global. In Sao
Paulo, in the huge city that no longer seems
to know the sens of limit, the Centro, the historic
center, became an urban disaster.
The town hall, which provides no guarantee
for housing the inhabitants, decided
to destroy 40% of the area. A radical and
surreal decision in a city where there will
be 200.000 empty homes and thousands of
homeless.
Ce que propose Ludovic Carème avec
cette série de portraits d’architecture, ce
sont des histoires qui en racontent une
autre, plus globale. A Sao Paulo, dans
l’énorme cité qui semble ne plus connaître le
sens de la limite, le Centro, centre historique,
est devenu un désastre urbanistique.
La mairie, qui ne donne aucune garantie
de relogement aux habitants, a décidé de
détruire 40% du quartier. Radical et surréaliste,
dans une ville où il y aurait 200.000
logements vides et des dizaines de milliers
de homeless.
Ludovic Carème vit et travaille à Sao Paulo (Brésil). Il s’est fait connaître par ses portraits de célébrités.
Depuis cinq ans, il partage sa vie entre la France et le Brésil. A Sao Paulo, Ludovic Carème entreprend un travail de portraits d’hommes et de femmes qui vivent dans un lieu éphémère et en voie de destruction, « Agua Branca », littéralement « eau blanche », une favela de Sao Paulo. La politique de la ville est claire : ces constructions insalubres plantées sur un égout à ciel ouvert doivent disparaître, et avec elles, ses habitants, qui seront déplacés, pour faire place à un échangeur autoroutier. La destruction dure depuis plus de deux ans.
C’est dans cet espace menacé et ce temps suspendu que Ludovic Carème a mené son travail photographique, jour après jour, maison après maison, avant que les eaux troubles ne se referment sur Agua Branca.
Sa série « Centro », outre le témoignage social, reprend le thème de l’architecture, créant une perspective unique selon un processus qui lui est propre : fond carré, vestibulité, objectivité.
Ludovic Carème continue de photographier des metteurs en scène, acteurs, musiciens et écrivains. Son travail est régulièrement publié dans les journaux comme Le Monde, Libération, le Guardians, le New York Times, L’Express, Rolling Stone, Vogue entre autres.
Born in 1971 in Erlangen (Germany), Peter Kröning now lives in Berlin.
Fir, oak, beech… The woods in which he carves come from different forests. Peter Kröning works on essences, colors, aspects, as he does with the resistance or fineness of these raw materials, in order to embody volumes fully marked by his gesture.
Grooves, ribs, shears… It is the story of the birth of a form that is given to see, touch, and which can be followed until a final primer color fluid placed on the wood : all life stages of these strange characters.
1999-2003 : Fine arts teaching program, University of the Arts, Berlin.
2003 : Fine arts program, majoring in sculpture, University of the Arts, Berlin. Supervision by Professor David Evison.
2006 : Post-graduate / Masters program, University of the Arts, Berlin.
2006 : Bernhard-Heiliger-Grant, Bernhard-Heiliger-Foundation, Berlin.
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Né en 1971 à Erlangen (Allemagne), Peter Kröning habite aujourd’hui à Berlin.
Sapin, chêne, hêtre… Les bois dans lesquels il sculpte proviennent de forêts différentes. Peter Kröning travaille les essences, les tons, les aspects comme il le fait avec la résistance ou la finesse de ces matériaux bruts pour donner corps à des volumes entièrement marqués par le geste.
Encoches, nervures, cisaillements… C’est l’histoire de la naissance d’une forme qui nous est donnée à voir, à toucher, et que l’on peut suivre, jusqu’à l’apprêt final d’une couleur fluide déposé sur le bois : toutes les étapes de vie de ces étranges personnages.
1999-2003 : Programme des beaux-arts à l’University of the Arts, Berlin.
2003 : Programme des beaux-arts avec option sculpture à l’University of the Arts, Berlin. Supervisé par le professeur David Evison.
2006 : Troisième cycle/Master à l’University of the Arts, Berlin.
2006 : Bernhard-Heiliger-Grant, Bernhard-Heiliger-Foundation, Berlin.
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Chad Keveny claims his double identity. Graduate of Fine-Arts in Toulouse, (France) the young painter divided his studies between Dublin (Ireland) and the “pink city”. Today, he multiplies exhibitions and art projects.
Chad Keveny belongs to contemporary art. After a period devoted to self-portraits, he expanded his work to the theme of family and friends : an artistic journey evolving throughout his identity quest.
He knows how to create situations related to personal and collective identity concepts. His artwork is curious and open to the world. His motivation to paint is at the crossroads of History and personal stories, subjectivity, with particular attention to the (de)construction of discourses and the symbolic of economic or political power. He doesn’t believe in an objective position and research experience sharing.
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La trentaine, Chad Keveny revendique sa double identité. Diplômé des Beaux Arts de Toulouse, le jeune peintre a partagé ses études entre Dublin et la ville rose. Aujourd’hui, il multiplie les expositions et les projets artistiques.
Chad Keveny s’inscrit dans l’art contemporain. Après une période consacrée à des auto-portraits, il a élargi son répertoire au thème de la famille et des amis. Un cheminement artistique évoluant ainsi au fil de sa quête identitaire.
Il sait créer des situations qui interrogent les notions d’identité individuelle et collective. Sa pratique est curieuse et ouverte sur le Monde. Sa motivation à peindre se situe au croisement de l’Histoire et des histoires personnelles, subjectives, avec une attention particulière à la (dé)construction des discours et des symboliques du pouvoir économique ou politique.
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Born in 1972. Lives and works in Lavaur, Tarn, France.
For her first exhibition in 2004, she engraved on large sheets of black sand continuous parallel lines as wanting to extend beyond the support. Her action is smooth, rigid, supported by tools ; Nothing should exceed. Light plays in the mineral matter. She has observed the cultivated nature, abstract expressionist fields, gesture painting, Degotex, Hartung, Soulages.
Two years later, her spiritual and plastic preoccupations grew up with an exhibition tittled « dilatation », questionning about prayer. Her gesture liberates, she emancipates her painting. Colour appears and her body is involved in the large formats. The expression, the action, the progress of the thought by drawing and painting take an essential role. Her work without limits is not just a technique. She rummages, she seeks. She observes the nature in its raw state, expressionist paintings, Cobra and raw art.
Despite the fear of loosing her spontaneity, she learns classical design to feed her feeling and thereby she could study again Artwork of the great masters of Renaissance and of the Moderns, Titien, Michel Ange, Van Gogh, Picasso, Matisse. In 2007, religious references and intentions assert. Objects to link appear with The faces, godden of fecondity, trees of life, constellations. Artwork to protect, to celebrate. Primitive christian art, primary arts, religious folk art, artwork with a meaning, help her in her personnal work.
Her gesture becomes radical and violent and she uses it for huge installations, aluminium plagues cut up with a cutter without any return possible. She also contemplate her unconscious life. She realise a series of drawings about automatism (amor ex machina). She draws books daily, as a diary where the writing gesture reaveals moments of life : Butterflies (life, fragility of the moment, colored to protect themselves).
Now, she is trying to provide new openings to her work. « The Run Up » narrative drawings where the radical gesture from the cutter is present, are like drawings preparing outside monuments. With « Upstair, to the left » series of drawings, she shows a strange solidness and she tries to explorate new territories.
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Née en 1972. Vit et travaille à Lavaur.
Lors de sa première exposition en 2004, elle grave sur de grands panneaux de sable noir des lignes droites parallèles continues comme voulant se prolonger au-delà du support.
Son geste est ici régulier, rigide, soutenu par des outils, rien ne doit dépasser. La lumière joue dans la matière minérale. Elle a observé la nature cultivée, les champs des expressionnistes abstraits, la peinture de gestes, Degottex, Hartung, Soulages.
Deux ans plus tard, ses préoccupations plastiques et spirituelles se développent avec une exposition intitulée « dilatation », questionnement sur la prière. Son geste s’émancipe. La couleur apparaît. Son corps est très impliqué dans les grands formats. L’expression, l’action, le cheminement de la pensée à travers le dessin et la peinture prennent une place essentielle. Son travail, sans retenues, ne se limite pas à une seule technique, elle fouille, s’exprime. Elle observe la nature sauvage, la peinture des expressionnistes, Cobra, et l’art brut.
Malgré la peur de perdre sa spontanéité, elle apprend le dessin classique afin de nourrir son expression, ce qui lui permet également de se replonger dans les oeuvres des grands Maîtres de la Renaissance et des Modernes, Titien, Michel-ange, Van Gogh, Picasso, Matisse entre autres.
A partir de 2007, les références et les intentions religieuses s’affirment. Les « objets pour relier » apparaissent avec les Faces, Déesse de la fécondité, les Arbres de vie, les Constellations ; des oeuvres pour protéger, célébrer, ordonner. L’art des primitifs chrétiens, les arts premiers, l’art populaire religieux, dont les oeuvres sont chargés de sens, l’aident dans son travail.
Son geste devient radical, violent. Ainsi, elle utilise pour de grandes installations, des plaques d’aluminium qu’elle découpe au cutter sans aucun retour en arrière possible.
Elle porte également une attention de plus en plus particulière à sa vie inconsciente. Ainsi, elle réalise une série de dessins basés sur l’automatisme (Amor ex Machina). Elle commence aussi des carnets de dessins quasi-journaliers à l’instar d’un journal intime où les gestes-écritures révèlent des moments de vie, nommés Papillons (vivants, fragiles, de l’instant, colorés pour se protéger).
En 2009, les Elans, dessins narratifs où se retrouve le geste radical du cutter, sont conçus comme des dessins préparatoires à des monuments extérieurs.
Aujourd’hui, grâce à un long travail d’épuration à la fois intérieur et formel, elle trouve une simplicité, une liberté et une fermeté singulière (Essences) lui permettant de construire et développer un travail d’après et avec la nature (Gouaches), d’approfondir son regard et s’ouvrir à des espaces plus vastes (Amour, j’embrasse bleu).
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1999
Born in 1978 to Kyoto, Japan.
1998 à 2003 : University of arts Kyoto.
2003 à 2006 : Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris .
Lives and works à Brussels.
Yu Matsuoka is a Japanese artist who lives and works between Paris (France) and Brussels (Belgium). She is graduated from Kyoto University of Arts and the ENSBA in Paris.
Yu Matsuoka uses a large range of techniques. Although oil painting remains her favorite method, she also creates drawings, sculptures…
She continually questions the role of the painter and the artist, from abstraction to figuration, with results often improvised, and appearing in unexpected places.
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Bertrand Jacquelinet is an artist, photographer and art director, who lives and works in Paris (France).
His work is not “photographic” in the usual sense of the term. « I do not take pictures; I take views and I transform them in images. These images are not seen with the eye of my camera but with my insider eye. I probably work a little like a painter, at home, in my studio. »
Bertrand Jacquelinet is fascinated by abstract, universal and timeless beauty of nature. In his work, we follow paths, traces, that form lines.
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Bertrand Jacquelinet est un artiste, photographe, directeur artistique, qui vit et travaille à Paris.
Son travail n’est pas “photographique” au sens habituel du terme. « Je ne prends pas des photos; je prends des vues que je transforme en images. Ces images ne sont donc pas vues avec l’oeil de mon appareil photo mais plutôt avec mon oeil intérieur. Je travaille un peu sans doute comme un peintre, chez moi, dans mon atelier ».
Bertrand Jacquelinet est fasciné par la beauté abstraite, universelle et intemporelle de la nature. Dans son travail, on suit des chemins, des traces, qui forment des lignes.
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2004 / 2002 / 2000 / 1999
Eric Provenchère au Centre d’art contemporain La Tôlerie à Clermont-Ferrand.
« Tout ce que la peut atteindre », commissaire d’exposition Gaëlle Gibault
Il aime la couleur avant tout. Son graal c’est sa capture. Il s’applique à l’appliquer sous tension, fermement ou sous pression, avec transparence, toujours sous l’influence du geste, de la main qui sait imposer l’impact, la ligne, la fuite, laissant ainsi s’imposer des traces d’imposition, de disparition, d’apparition de la couleur.
Provenchère ne jure que par elle, ne voit qu’avec elle, ne peint que pour elle, la couleur.
Actuellement exposé au Centre d’art de La Tôlerie à Clermont-Ferrand, avec l’appui de Gaëlle Gibault qui en a supervisé l’accrochage, Eric Provenchère nous livre des oeuvres sensibles, portées par la peinture, l’empreinte de résines brossées, de la saturation à l’invisible.
Dans cette exposition, Eric Provenchère a choisi de montrer que son travail de peintre maitrise le matériau pur de la couleur à travers l’alchimie de matériaux complexes qui fait une oeuvre agréable à regarder et à contempler.
orn in 1971, Laurent Perbos is a visual artist who lives and works in Marseille (France).
His inventive and contemporary work is a demanding artistic approach but which however remains accessible to all. It stimulate at the same time playful, contemplation and thinking.
Laurent Perbos works from mass social activities, from a popular culture, such as games and sports. These works will be lived, undoubtedly as true playgrounds and rest areas, «areas» of symbolic confrontations and authentic relationships.
28 février > 6avril 2014
Gallery Leonardo Agosti, 3 quai Aspirant Herber , Sète.
http://www.leonardoagosti.com/
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Né en 1971, Laurent Perbos, artiste plasticien, vit et travaille à Marseille (13).
Sa pratique inventive et actuelle est une démarche artistique exigeante, mais qui demeure néanmoins accessible à tous, en sachant susciter à la fois le ludique, la contemplation et la réflexion.
Laurent Perbos, travaille à partir d’activités sociales de masse, issues d’une culture populaire, tels les jeux et le sport. Ces œuvres se vivront, sans nul doute, comme de véritables espaces de jeux et de repos, des « aires » de confrontations symboliques et de relations authentiques.
28 février > 6 avril 2014
Galerie Leonardo Agosti, 3 quai Aspirant Herber à Sète.
http://www.leonardoagosti.com/
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